https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/9215 Sat, 09 May 2026 00:24:56 GMT 2026-05-09T00:24:56Z https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/21219 Título: Tamboras del río. Análisis descriptivo de un ecosistema musical Autor: Ciro-Gómez, Bernardo Resumen: La presente etnografía musical propone que la tambora de la Depresión Momposina y del Magdalena Medio bolivarense y cesarence es un ecosistema musical en estado de oralidad secundaria. A partir de un análisis descriptivo-interpretativo en esa ecorregión, se indaga por las especificidades y diferencias músico-danzarias en doce municipios participantes. A las anteriores se anudan la oralidad, la identidad y la corporalidad (inmanente a la figura de los festivales de tambora), entendidas como estrategias de resiliencia, con el objetivo de evidenciar cómo las comunidades musicales aludidas gestionan las perturbaciones internas y externas en busca de equilibrios deseables para la tambora. Dichas especificidades y estrategias han sido escasamente abordadas por los estudios especializados enfocados en ese género músicodanzario. Por tanto, en el capítulo uno se exponen dos nodos de problematización, los cuales permiten revisar componentes teórico-epistemológicos propuestos por los mencionados estudios y se propone una episteme que podría aproximarse con mayor precisión al fenómeno. Asimismo, se indaga sobre el problema denominativo de la tambora en una plataforma de acceso libre y por el supuesto de la existencia de una tambora del pasado y otra del presente. En tal sentido, en el capítulo dos se demuestra cómo las analogías ecosistema musical y resiliencia, inspiradas en el trabajo etnomusicológico de Jeff Todd Titon, representan una lectura alternativa para abordar los procesos de permanencia y de cambio cultural en comunidades musicales que cultivan la tambora. Dichas analogías se articulan a los conceptos de oralidad e identidad. El primero, mediante sus psicodinámicas, ofrece una mirada adyacente a la historiografía oficial de la música en Colombia, a la vez que desbroza el impacto interno provocado por las políticas culturales de carácter pedagógico-musical estatal y las declaratorias de patrimonialización. El segundo contribuye a reconocer el aquí llamado “ser anfibio”, el cual es observado desde la dimensión étnico-racial colombiana, a partir de las interconexiones entre identidad, mestizaje e “imaginerías religiosas”. Finalmente, el capítulo tres está dedicado al análisis de las especificidades, diferencias y distintos grados de contraste músico-danzario de la tambora en los doce municipios que forman parte de este estudio. Los hallazgos ponen de manifiesto que el nombre “tambora” es engañoso, porque hace creer que en todos y cada uno de los casos se habla de la misma música y la misma danza, pero no es así. Para la realización de dicho análisis se examinan las transformaciones efectuadas por el Festival Nacional de la Tambora y la Guacherna de Tamalameque en los circuitos tradicionales de transmisión de esa manifestación. Se asume que ese escenario reconfigura el sentido de la corporalidad emic, ya que es ahí donde por primera vez los cultores de los diferentes municipios se dan cita y se percatan de que llaman con un mismo nombre a expresiones músico-danzarias parecidas, mas no idénticas. Es decir, se enfrentan a su propia diversidad músico-danzaria. Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/21219 2025-01-01T00:00:00Z https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/20375 Título: José de Campderrós, maestro de capilla de la Catedral de Santiago de Chile (1793-1811). Sus villancicos: entre la tradición y la modernidad Autor: Velásquez Cantin, Rebeca Resumen: El propósito central de esta investigación se relaciona con una parte de la obra paralitúrgica del autor barcelonés José de Campderrós i Pascual (1742-1811), maestro de capilla de la Catedral de Santiago de Chile entre los años 1793 y 1811. De este segmento de obras, veintidós en total, hemos escogido cinco de ellas entre Villancicos y Arias. Iniciamos nuestro trabajo con una plataforma contextual referida a Santiago de Nueva Extremadura, aludiendo como objeto y referente a la catedral, ya que en ella se llevaba a cabo, no solo el ejercicio religioso de la época que nos convoca, sino también una parte sustantiva del quehacer musical. La aproximación al repertorio elegido, nos ha permitido traer a discusión aspectos no estudiados de manera previa. Para ello, abarcamos lo relacionado con el tratamiento técnico y composicional del autor Campderrós, donde se evidencia su sintonía con la moda imperante, y la experticia evidente que hubieron de tener los músicos de la capilla para interpretar las obras, a lo que se agrega la presencia del estilo italianizante, en algunas de ellas. Del mismo modo, damos cuenta de aquellos rasgos de teatralidad que se observan en algunos de los villancicos, rasgos que sugerirían una eventual representación. Lo anterior acusa la interacción entre tradición y modernidad del repertorio elegido para esta investigación. Mon, 01 Jan 2024 00:00:00 GMT https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/20375 2024-01-01T00:00:00Z https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/18229 Título: El diálogo de la escucha: la expansión del rol del intérprete en la consumación de la obra musical, la imitación y el juego en tiempo real como principios en la composición, su gestualidad y asertividad como determinaciones para una forma abierta Autor: Barrientos Beltrán, Gustavo Resumen: Resumen: En el transcurso de mi formación académica musical, pude percibir dos caminos relacionados a la composición. El primero se conecta con la juventud incipiente, impulsiva e ingenua, concerniente al mundo salvaje, aunque siempre con cierto sometimiento, del instinto: “se compone lo que se siente”, dejando en manos de la casualidad del momento, la levedad de la memoria musical y la cultura inevitable y presuntamente heredada; el material y su mecánica para procesarlo. En el segundo en cambio, se establece una base (pre)compositiva donde se genera(n) la(s) célula(s) que servirá(n) como matriz para la obra, como una oportunidad excepcional de ser (re)creadores de la génesis artística musical, y espectadores, en analogía metafórica, de la humana. En esta última, aparecen tratamientos compositivos donde la estructura deviene, parcial o totalmente, de unidades iniciales como en el contrapunto, y principalmente, en el raciocinio del serialismo integral. Un tercer camino, inesperado, inusitado y bendito, como todo aquello que llega para apoderase de lo que somos y de lo que nos rodea, se me presentará ya adentrado en el doctorado, cuando después de la incestuosa muerte de un inolvidable estudiante de música, nacerá la obra “RA” en homenaje a Rubén Ampuero, donde la presencia del “otro”, buscará con imperiosa prisa, el hacerse diálogo en mi composición. Durante mi paso por el magíster, mantuve la inquietud de entender el arte en forma indivisible, cayendo en complejas disyuntivas al momento de querer integrar dos disciplinas artísticas entre sí. Traté de evitar, con no menor riesgo pero si a toda costa, la trivial dependencia de las artes, la obediencia satelital que debe sufrir una de las disciplinas para adaptarse y orbitar a la otra, sin encontrar raíz común ni códigos unificadores que las conecten. De esta manera, sondeé y ensayé metodologías que acercaban la danza al mundo de la notación musical, como es el caso de la coréutica de Rudolph Laban. Sin embargo, en el momento de aspirar a la integración de música y literatura, inicié una trayectoria compositiva peculiar, que me llevó a indagar como la palabra, descontextualizada de su fonética y semántica más directa, puede resignificarse a través de la música, relacionando el alfabeto de letras con distintos parámetros musicales en forma no estrictamente serial, pero si sistémica... Mon, 01 Jan 2024 00:00:00 GMT https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/18229 2024-01-01T00:00:00Z https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/17881 Título: El cuarteto de cuerdas en Colombia: un estudio panorámico de su práctica musical y del repertorio creado entre 1940 y 1960 Autor: Hurtado Ramírez, Mayerly Resumen: Resumen: Esta investigación constituye el estudio panorámico pionero sobre el cuarteto de cuerdas como práctica interpretativa en Colombia y establece una primera historia musical de las cuatro agrupaciones con mayores años de actividad y estabilidad en el país, desde 1936 hasta 2021. En el texto también se entrega la delimitación de un repertorio construido a partir de la recopilación metódica de la información y el alineamiento cronológico de las obras compuestas para este formato por parte de compositores locales. El corpus consta de veintiséis obras para cuarteto de cuerdas por trece compositores escritas entre 1940 y 1960, como resultado de un primer auge compositivo que se desarrolló alrededor del llamado “nacionalismo musical”. Dentro del repertorio, se examinan aspectos del lenguaje musical, estructura, estado del manuscrito, ediciones, interpretaciones públicas y grabaciones. La tesis parte de un análisis historiográfico del surgimiento del cuarteto de cuerdas en Europa centrándose en las sociedades e instituciones en España, modelo que se replicó en diferentes países de Latinoamérica y específicamente en Colombia. Dicho análisis se concentra en países latinoamericanos, identificando este tipo de agrupaciones a lo largo de la región, hasta poner punto focal en Colombia, en donde, partiendo de los primeros antecedentes correspondientes a las últimas décadas del siglo XIX e inicios del XX, se reconstruye y se propone el camino recorrido por esta práctica musical hasta la actualidad. Este tipo de agrupación de origen europeo se hizo visible en el país en medio de las sociedades e instituciones de educación musical, que fueron en sus inicios las encargadas de acogerlo a finales del siglo XIX. Sin embargo, fue a lo largo del siglo XX cuando se conformaron cuartetos estables, gracias a la iniciativa de intérpretes de cuerdas frotadas, en un comienzo provenientes del antiguo continente, que ocuparon cargos en la Orquestas Sinfónicas de Colombia, instituciones que se identificaron como punto de origen de este tipo de ensambles y de los cuartetos de cuerda más longevos en Colombia. Al ser la práctica del cuarteto de cuerdas un objeto de estudio colectivo (una acción realizada por cuatro personas que conforman una agrupación) fue necesario contar con un respaldo de fuentes orales, escritas y musicales. Es así como, además de las entrevistas realizadas a intérpretes, docentes y compositores se estudiaron fuentes como: programas de mano, grabaciones, partituras y archivos personales que permitieron reconstruir parte de la historia del cuarteto de cuerdas, con énfasis particular en cuatro cuartetos: Bogotá, Arcos, Manolov y Q-Arte. La interpretación de repertorio colombiano y la práctica continua del cuarteto de cuerdas incidió en el modelo de educación musical en Colombia, a partir del surgimiento de diferentes iniciativas pedagógicas como la creación de escuelas, talleres y festivales promovidos y gestionados por tres de los cuartetos. Dicha labor puede constatarse hoy en los diferentes programas de pregrado en música de la capital, en el cambio que ha tenido la programación de conciertos de cuartetos de cuerdas en salas representativas del país, entre otras dinámicas del entorno sociocultural colombiano. Sun, 01 Jan 2023 00:00:00 GMT https://repositorio.uca.edu.ar/handle/123456789/17881 2023-01-01T00:00:00Z